LEVI’S® VINTAGE CLOTHING SPRING SUMMER 2021

This post is also available in: English

LOOSE FIX

A MANCHESTER, in Inghilterra, alla fine degli anni ’80, il rock alternativo si è scontrato con la cultura dance. Giovani band indie, ispirate dai DJ che girano acid house per una scena da club in crescita, hanno chiesto a questi stessi DJ di collaborare ai loro dischi. Il risultato è stato un inebriante mix di ritmi dance e retro pop melodico. Questo suono fresco, caratterizzato da ritmi incalzanti, chitarre tintinnanti, vortici psichedelici e ritornelli pop, ha creato una scena completamente nuova.
Con l’evolversi del suono di Manchester, anche il suo stile distintivo si è evoluto. Una manciata di ragazzini ha iniziato a comprare i vecchi Levi’s® degli anni ’70 e li ha indossati oversize per distinguersi dalla massa. Ben presto jeans larghi e colori vivaci erano il look preferito sulle piste da ballo dei rave locali e delle feste in magazzino. Questa scena esplosiva e il suo ethos musicale hanno lasciato un segno nella cultura popolare che continua ancora oggi. Per la primavera / estate 2021, Levi’s® Vintage Clothing celebra lo stile e la musica leggendari della Manchester di fine anni ’80.

CENTRAL STATION

Central Station, una società di design con sede a Manchester fondata dai fratelli Matt, Pat Carroll e Karen Jackson, era lo Facto  Art Studio della scena musicale di Manchester della fine degli anni ’80. Mentre i suoi designer hanno creato copertine degli album e poster per molte band dell’epoca, il loro lavoro per Happy Mondays era il loro più iconico ed è venuto a simboleggiare la scena.
Rinterpretando cinque copertine dei dischi originali degli Happy Mondays di Central Station, Levi’s® Vintage Clothing rende omaggio alle opere d’arte colorate che hanno definito l’epoca.


Paul O’Neill, capo designer di Levi’s® Vintage Clothing, ha incontrato i fratelli Matt e Pat Carroll di Central Station Design per saperne di più sul leggendario studio di design di Manchester che ha prodotto gran parte dell’iconiche opere d’arte della seconda ondata di Factory Records.


Paul O’Neill: Da dove viene il tuo amore per l’arte e il design?
Pat Carroll: Una cosa riguardo al modo in cui siamo stati educati, non so se sia stato progettato o nato per necessità, ma mia madre e padre ci hanno lasciato fare quello che vogliamo. Non hanno posto limiti su di noi: con nove bambini, come puoi immaginare, ne è seguito il caos. Se non stavo giocando a calcio o controllando i miei 20 fringuelli nella voliera che avevo in cucina, stavo disegnando. Era un modo per trovare un po ‘di solitudine e mettere a tacere la cacofonia. Tutto era ambientato su un forte sfondo religioso, con le immagini pesanti e d’impatto che ne derivano. Ad un certo punto, il mio insegnante d’arte ha chiamato i miei e ha detto loro: “Dovreste dirgli di andare alla scuola d’arte”. Ho finito per studiare Arte e Design alla Salford Tech. Subito dopo ho trovato lavoro in uno studio di Londra, lavorando su copertine di dischi e progetti per il Barbican.

Matt Carroll: Non direi che proveniamo da un background particolarmente artistico a parte la strana stampa di Lowry sul muro. In effetti, ce n’era uno di Peel Park ed è ancora sul muro dietro di me. Ricordo distintamente quando il nostro Pat si è rotto un braccio e siamo andati a far rimuovere l’intonaco. Nostro padre ci ha portato alla Salford Art Gallery per vedere le opere di Lowry, e questo ha avuto un grande impatto su di me. Nostro fratello maggiore Pete aveva un’enorme collezione di dischi: letteralmente migliaia di dischi in scatole di circa un metro di profondità che giravano per tutta la stanza. Tiravo fuori le copertine per guardarle e quando lui e i suoi amici erano in giro le copertine cambiavano nella parte anteriore delle scatole a seconda di quello che stavano ascoltando la sera prima. Era come avere la nostra galleria d’arte a casa.

Paul: Come avete iniziato voi tre (inclusa la cofondatrice Karen Jackson) a fare arte insieme e da dove viene il nome “Central Station Design”?
Pat: Stavamo tutti lavorando a Londra all’inizio degli anni ’80, ma stavamo ancora tornando a Manchester nei fine settimana per andare all’Haçienda. Alla fine siamo appena tornati indietro e Karen ha detto: “Invece di cercare lavori di merda, perché non abbiamo semplicemente creato il nostro studio?” Quindi è quello che abbiamo fatto. Non passò molto tempo prima che finissimo per lavorare con Nicholas Hytner, facendo la direzione creativa per il Royal Exchange Theatre.
Matt: Crescendo, abbiamo sempre tratto pezzi da fumetti o cartoni animati di pop star come David Bowie o T. Rex. Non avevamo idea che avremmo mai lavorato insieme, era più proprio quello che facevi da bambini. Poi, dopo un periodo di lavoro a Londra, siamo tornati a Manchester e siamo andati in sussidio. Questo è quando abbiamo deciso di uscire sul nostro possedere e configurare la Central Station. Andavamo alla Free Trade Hall per vedere le band: ricordo di aver visto i Ramones lì quando avevo circa 14 anni. C’era una biglietteria a lato e da lì si vedeva questa vecchia e brillante stazione ferroviaria abbandonata. Anni dopo, ho capito che era il vecchio edificio ferroviario della Central Station e da lì abbiamo preso il nome.
Pat: Abbiamo tutti amato quell’edificio e abbiamo pensato che avremmo resuscitato il nome. Si rifà a quell’epoca oscura industriale vittoriana. Volevamo prendere quell’energia e usarla per accendere le luci, trasformando Manchester da monocromatica a technicolor. Stranamente, gli Happy Mondays finirono per suonare lì due spettacoli sold-out nel 1990, dopo che fu rinnovato e ribattezzato G-Mex.


Paul: Come sei stato coinvolto per la prima volta con la Factory Records? Essendo cugini di Shaun e Paul Ryder dei Mondays – inizialmente ti hanno contattato per fare l’artwork?
Pat: Non ricordo davvero che sia stata una gran discussione, ad essere onesti. Era più una cosa non detta, inevitabile. Erano interessati a tutte le cose che stavamo facendo. Eravamo in giro alle prove e a tutti i primi concerti. Avevamo uno stretto legame familiare, ma eravamo buoni amici con l’intera band, vivevamo le stesse vite. Quindi, quando hanno ottenuto l’accordo con la Factory, chi meglio di noi per visualizzare il suono del Mondays? È stato sicuramente un momento in cui abbiamo lasciato l’artwork di “Delightful” nel famigerato ufficio della Factory in Palatine Road.

Paul: Quando sei arrivato alla Factory, c’era già un’estetica di design consolidata con artisti del calibro di Peter Saville. Ti sei sentito come se avessi bisogno di provare ad adattarti a questo?
Matt: Factory faceva parte della nostra giovinezza, quindi eravamo in Joy Division e New Order. Le copertine e tutto erano semplicemente immacolati. Abbiamo sempre rispettato le prime cose della Factory, ma non volevamo ricrearle: avevamo la nostra agenda.


Paul: La copertina “Delightful” è il mio unico design preferito uscito dalla Factory Records. Sembrava un nuovo giorno con un messaggio positivo. Questa deve essere stata una mossa coraggiosa con la sua semplicità. Come è nata e come è stata inizialmente accolta dalla Factory?
Pat: Lo apprezzo, amico. Con brani come “This Feeling”, “Oasis” e “Delightful” —non andare troppo lontano lungo la strada Orange Sunshine — ma l’opera d’arte riguardava il distillare quel momento in cui vedi qualcosa nella natura che ti ferma sulle tue tracce, ti scatta su di tutte le stronzate su cui ti stai stressando e ti ricollega al quadro più ampio. Stava cercando di catturarlo in una forma grafica pura. La semplicità è il potere. Gli uccelli sono il punto fermo. Penso che fosse l’ultima cosa che la Factory si aspettava.
Matt: “Delizioso” è uno dei miei preferiti: le semplici colline verdi, i due uccelli e il cielo blu. Quella copertina era puro punk rock ed è stato un grande “vaffanculo” per tutta la merda di design della metà degli anni ’80. Andava controcorrente, rappresentava un momento di cambiamento: i nuovi uccelli all’orizzonte. Era puro, fresco e nuovo.

Paul: La creatura sulla manica “Freaky Dancin ‘” è un’altra delle preferite. Puoi dirci qualcosa su questo o da dove ha avuto origine?
Matt: Era così radicalmente diverso da qualsiasi altra cosa intorno. “Freaky Dancin’ “era come l’immagine della band e dello stile di vita che stavamo conducendo. I colori provenivano dalla sensazione di quel tempo, quasi come un mondo astratto. C’era un intero nuovo panorama di emozioni. Avevamo questa strana fiducia che quello che stavamo facendo fosse giusto. Solo un piccolo numero di persone l’hanno capito in quel momento.
Pat: Era lo sviluppo e l’espansione di “Delizioso”, come se lo stessi guardando nel bel mezzo di un brutto viaggio. Il paesaggio si è deformato, i colori si sono intensificati e amplificati, abitato da una creatura contorta e tormentata. Siamo tornati alle illustrazioni originali della creatura quando stavamo lavorando alle nuove contorsioni e animazioni per la giacca LVC.

Paul: La stampa iniziale di “Squirrel and G-Man Twenty Four Hour Party People Plastic Face Carnt Smile (White Out)” veniva fornita con una copertina unica in cui il nome della band e il titolo dell’album venivano stampati su un cofanetto di plastica e solo sulla custodia del record della scheda conteneva l’immagine della tavola apparecchiata. Questo ha ispirato il modo in cui mi sono avvicinato a tutte le camicie che stiamo producendo per questa collezione. Puoi darci qualche informazione su da dove è venuta l’idea iniziale o sul processo per creare la copertina?
Pat: Per me, le vibrazioni intorno a “Squirrel” provenivano da una sessione al Bez’s. Dopo circa 5 giorni senza dormire, qualcuno si è avvicinato e ha detto: “Guarda le tue condizioni, festa di 24 ore
persone, la faccia di plastica non può sorridere. ” Volevamo un’immagine che rappresentasse l’indulgenza, l’ideale, un sogno artificiale che avremmo potuto sovrapporre a un’astratta incertezza. Il tipo era un riconoscimento che la merda poteva andarsene da un momento all’altro: non familiarità con il familiare. L’idea alla base di mettere il tipo sulla manica esterna era di catturare la sensazione di separazione: puoi finire a guardare fuori a volte nella tua esperienza. Ho sempre amato quella citazione di Tony Wilson: “La Chiesa cattolica versa il suo vino in pentole di terracotta ammuffite? Penso di no.” La Factor aveva totale rispetto per l’arte e il design e attenzione ai dettagli. Erano pronti a investire in idee come la custodia esterna in plastica.
Matt: Con “Squirrel”, abbiamo tutti ricordi diversi della sua origine, ma il mio ricordo è che era dopo una serata fuori la vigilia di Natale: eravamo fuori di testa all’Haçienda, seguita da una festa nell’appartamento di Bez a Eccles. Il giorno dopo stavamo cenando a casa a Natale e non era proprio la stessa cosa, sai. L’idea del cibo per le feste è nata da lì. All’inizio non volevamo rivelare l’intera immagine, ma quasi come guardare attraverso un finestrino pieno di graffiti sull’autobus
o allenarsi su qualcosa che non potresti afferrare del tutto, quindi mettiamo in cima una tipografia concreta in grassetto per romperlo. L’intera cosa era come un’istantanea da sogno della notte e del giorno. Il manicotto di plastica dava la disconnessione, quasi come una vetrata istoriata di una chiesa.

Paul: Quando arriviamo a “Bummed”, la tua direzione del design sembrava allentarsi e diventare abbastanza libera e colorata con dipinti, collage, ecc. C’era una ragione per allontanarti dalla grafica pura come “Delizioso” o ” Freaky Dancin ‘”manica?
Pat: Non abbiamo trascorso cinque anni nel sud della Francia alla ricerca della luce perfetta, ma abbiamo sempre sperimentato con la pittura. Come noi, Shaun ha avuto un’educazione cattolica simile e ha sempre estratto e fatto riferimento a quel materiale nei suoi testi. Quindi trasformare Shaun in una sorta di icona religiosa allucinogena è stato il nostro modo di sovvertire e tradurre quell’idea nel nostro linguaggio visivo. L’album è stato disorientante, bizzarro, ma immediato e audace: il nostro approccio al dipinto è stato altrettanto intuitivo e viscerale. Ritagliare l’immagine l’ha resa più claustrofobica, intensa e ambigua. Una sensazione accresciuta dall’incisione alla cieca del titolo e del nome della band.
Matt: Stavamo lavorando a una serie di dipinti chiamati “Hello Playmates” per una mostra alla Manchester City Art Gallery. “Bummed” è stato creato contemporaneamente, utilizzando lo stesso stile e le stesse tecniche. Da bambini, il club laburista era dietro l’angolo da dove siamo cresciuti. Vedere persone che si dirigono per una serata fuori vestite con le loro facce dipinte e le acconciature Pink Champagne e il massiccio trucco degli occhi: solo una massa di colore. Queste immagini inconsce hanno giocato un ruolo nell’ispirazione. Volevamo trasmettere lo stile di vita e il sudiciume della band. Stavamo sperimentando tutto il tempo. Era come la pura libertà scoprire un nuovo mondo per noi stessi. Tutto sembrava possibile e la nostra arte è diventata veloce e fluida. È stato un periodo magico.

Paul: E la copertina interna di “Bummed”? Da dove viene?
Pat: A questo punto io e Karen ci eravamo trasferiti in un loft a una grande vecchia casa a Fallowfield. Alla fine, Matt, Shaun e Bez ci siamo trasferiti tutti e abbiamo rilevato l’intero edificio. È diventato un ritrovo mancuno, surrealista, Dada. Abbiamo usato per ottenere il nostro sorteggio via questa vecchia coppia di naturisti chiamati Ken e Maureen. Andavi lì a prendere la tua roba e loro sarebbero rimasti seduti a guardare gli starker di “Coronation Street”. Abbiamo scoperto che avevano un sacco di polaroid folli l’una dell’altra degli anni ’70. Era strano: avevano il tipo di qualità del colore che sembrava uscito da “Performance”, un film che avevamo in loop al momento della registrazione di “Bummed”. Alla fine abbiamo scelto un paio di foto di Maureen per la copertina interna. L’idea originale era quella di avere uno di Ken dall’altra parte, ma non è riuscito a trovarne uno di cui fosse felice in tempo.

Paul: Qual è stato il processo di selezione per l’arte usata sulle maniche? Le band erano coinvolte nella decisione o altre persone dei Factory?
Matt: Ci è sempre stata data totale libertà, non ci hanno mai suggerito nulla. Molte delle maniche sono state fatte dal sentimento. Siamo cresciuti insieme – io e Shaun eravamo soliti provare a suonare la strana melodia sulla chitarra a due corde che avevo. Abbiamo registrato un primo demo a casa della nonna di Shaun. Eravamo una famiglia e letteralmente nelle tasche l’uno dell’altro, quindi quando abbiamo mostrato loro cosa stavamo facendo, lo hanno capito immediatamente.

Paul: Qual è la tua copertina preferita che hai creato per la Factory Records?
Pat: Il mio deve essere “Bummed”. Un’altra cosa che ho sempre amato delle copertine degli album è stata la pittura astratta sul retro della copertina.
Matt: Ho menzionato prima “Delizioso”, ma sono tutti i miei preferiti e hanno tutti un’anima, sai? Hanno una vita, un’emozione, significano qualcosa, vengono dal cuore.

Paul: Hai un ricordo precoce di Levi’s® o di come il marchio facesse parte della scena di Manchester negli anni ’80?
Matt: Quando ero piccolo, era una parte importante della mia infanzia: le linguette arancioni negli anni ’70 e le felpe con zip. Poi più tardi, ricordo quando sono andato per la prima volta in America con i Mondays nel 1989, Ho comprato un paio di jeans 501® termoretraibili e resistenti come la roccia. Li ho comprati in una vita da 38 “e li ho ancora oggi. Probabilmente ero un 32”, ma ho comprato i 38 “perché li volevo più grandi. Ricordo quando li indossavo, amici che dicevano: “Oh, da dove li hai presi?”
Pat: Essendo un grande fan dei Ramones, i jeans 505TM erano iconici per noi nell’era punk. Probabilmente per la maggior parte degli anni ’80, stavamo tutti camminando con i jeans 501® schizzati di vernice. Stavamo vivendo la “vita artistica”. Lo faccio ancora. Riguarda l’innesto, inserire un cambiamento, quindi essere in grado di uscire direttamente nella stessa clobber. L’abbigliamento da lavoro vintage classico, molte importazioni americane, è sempre stato ciò che ci piace. Levi’s®, in particolare, sembrava sempre riguardare la qualità, i materiali, le cose organiche senza tempo, da vivere e conservare. Più logoro e incasinato, meglio è.

Paul: Cosa ti ha spinto a lavorare a questo progetto con Levi’s® Vintage Clothing?
Matt: Levi’s® è stata una costante per tutta la mia vita. Riguarda tante cose: musica, stile, la collezione di dischi di mio fratello e la casa in cui sono cresciuto.

Pat: Levi’s® è semplicemente radicato nella cultura, sempre presente. Inoltre, la tua attenzione ai dettagli e guardando gli altri progetti Levi’s® Vintage Clothing che avresti messo insieme, sapevamo che l’opera d’arte sarebbe stata trattata con lo stesso rispetto che Tony e Factory le avevano sempre dato.

Mentre ogni iterazione di Levi’s® Vintage Clothing lo è un lavoro d’amore, è giusto dire che questa stagione, che celebra la scena Acid House di Manchester, è stata particolarmente speciale. Con i servizi fotografici in locali vietati, dovevamo essere creativi.
Entra Ric Facchin, artista e Mancuniano (è qualcuno di Manchester!) che ha usato tutto
questa volta ritrovata a casa per raccogliere un nuovo hobby: la costruzione di modelli. Piuttosto che raffigurare monumenti turistici, Facchin replica il cuore e l’anima di Manchester: i negozi locali, i takeaway bucati e le strade ricoperte di graffiti—
sporcizia e tutto.

Entra Ric Facchin, artista e Mancuniano (local di Manchester!) che ha usato tutto
questa volta ritrovata a casa per raccogliere un nuovo hobby: la costruzione di modelli. Piuttosto che raffigurare monumenti turistici, Facchin replica il cuore e l’anima di Manchester: i negozi locali, i takeaway i buchi per  le strade ricoperte di graffiti e sporcizia.